Hoy comenzamos un nuevo ciclo de entrevistas en colaboración con el Podcast Hilos de Tinta a través de esta entrevista que corresponde al primer capítulo de la segunda temporada. Durante el ciclo anterior nos enfocamos en autorías creativas y literarias emergentes. Esta temporada, expandiremos el foco hacia los procesos creativos en un sentido amplio, incorporando a creadores del mundo del arte, la cultura y la gestión, entendiendo que la creatividad es algo que no se remite solo a un género o a un tipo de texto. Por ello, en este primer episodio, conversamos con Carlos Galdames, quien es gestor cultural, actor e integrante de la Compañía Teatro Huevo, desde la Región de Aysén, sobre la identidad, el existencialismo y el desafío de hacer teatro desde el sur austral de Chile.
Jessy: Quisiera partir comentando que la compañía Teatro Huevo tiene una antología publicada que pronto va a estar en circulación de manera más accesible, con parte de su obra. Es un libro precioso sobre el cual probablemente vamos a hablar en unos instantes para que lo tengan en mente. Bienvenido, Carlos.
Carlos Galdames: Muchas gracias. Feliz de estar aquí y espero que sea una conversación entretenida donde podamos revisar formas de hacer procesos creativos; en este caso, desde el sur austral de Chile.
Jessy: Exacto, desde el sur austral. A propósito de aquello vamos a hablar sobre los procesos de escritura, en particular de las obras en donde tú has trabajado como co- dramaturgo. Me comentabas que es el caso de Juan y Margarita, pero antes de eso: ¿Cómo llegaste tú a Aysén y a este rol de gestión cultural? Me interesa eso porque sé que eres originalmente de Santiago, pero ya llevas bastantes años radicado en la zona más austral del país y tuviste algunos viajes al extranjero para perfeccionarte en el área gestión cultural. Si pudieras comentarme al respecto para todos los que van a escuchar.
Carlos Galdames: Bueno, como decíamos, mi nombre es Carlos, soy de formación actor, estudié teatro en Santiago y me vine a la Región de Aysén en el año 2017. Me acuerdo que entre el 2013 y 2015 estuve un par de añitos trabajando en la Municipalidad de Ñuñoa, en el departamento de la juventud, y haciendo teatro también ahí recién egresado. Además, cursaba un magíster en gestión cultural. Estaba en eso cuando postulé al famoso programa Servicio País, no sé si has escuchado de él.
Jessy: Sí, por supuesto, es un programa bastante conocido.
Carlos Galdames: Acá hay muchas personas que llegaron por Servicio País y se quedaron. Cuando tuve que elegir las regiones a las cuales quería ir, puse las más lejanas para no devolverme, y también porque sabía que mientras más lejos, más significativa sería la experiencia. Postulé a Arica, a Punta Arenas y a Coyhaique; quedé finalmente en Aysén y me enviaron a Ñirehuao a una intervención social en el ámbito de la cultura.
Estuve viviendo un año con la comunidad de Ñirehuao, que es una localidad pequeñísima que está desde Coyhaique hacia la frontera con Argentina, en una pampa inmensa. Vivir ahí fue ver la vida de otra forma, literalmente; fue cambiar el tiempo interno, comprender otras dinámicas y sanarme en muchos aspectos. En resumen, ir a vivir con una comunidad en una intervención social provoca un tremendo impacto, porque no vas por un par de horas, sino que vives con ellos. Para mí fue muy valioso ese proceso. Al año siguiente apareció la compañía de teatro y en ese andar ya llevamos 9 años acá.
Jessy: Un camino largo, es un proceso bien introspectivo del que das cuenta. Cambiar radicalmente la vida y vivir en una comunidad, por supuesto, da un giro completo a la experiencia personal y profesional. Siempre escuchaba cuando viajé a Coyhaique el dicho de que «el que se apura en la Patagonia pierde el tiempo». ¿Sentiste ese cambio?
Carlos Galdames: Totalmente. Además, llegué a una localidad donde de verdad el tiempo es otro. De hecho, cuando uno entra al pueblo aparece un letrero que dice: «La nieve y el viento son amigos de la soledad. Bienvenido». Es bien alentador (risas), pero muy poético, y es real.
Estando en la localidad te vas dando cuenta del modo de vida, sobre todo los antiguos que iban a Coyhaique a caballo en viajes de varios días, haciendo patria, como dicen. Es una experiencia tremenda. Con los años he visto que cuando vivimos en Santiago estamos en un ritmo interno bien especial, y aquí empiezas a silenciarte. Yo creo que por eso me quedé, porque después, cuando iba a Santiago, ese choque de ritmos ya me incomodaba; llegar a la región ahora es un alivio, una paz.
Jessy: En este cambio de ritmo, ¿cómo cambió también el ritmo de los procesos creativos en Coyhaique? Porque acá explota tu rol como gestor, te encontraste con la compañía y empezaron a crear. ¿Es distinto crear en ese espacio de más paz y con un ritmo un poco más pausado?
Carlos Galdames: Totalmente. Yo creo que desde Puerto Montt hacia abajo es otro país en parte, tanto física, simbólica como culturalmente. Acá la influencia argentina, por darte un ejemplo, es súper determinante. Me ves tomando mate, algo que ya incorporé como parte de mis tradiciones.
Es totalmente distinto. Lo primero que me pasó de forma personal —nunca lo voy a olvidar— fue que la primera obra que estrenamos con la compañía fue en Melinka, en una isla. Fuimos a hacer una función y estrenamos allá, llevando la escenografía en botecito. Ese viaje cambió todo mi sentido de por qué hacemos lo que hacemos. Yo venía con ese ruido santiaguino del circuito, de la aprobación… cosas de la edad también, que uno va madurando. Ahí te das cuenta de que finalmente el teatro se vuelve un servicio. Llegar a estos lugares tan inhóspitos y lejanos le da otro sentido al quehacer.
La Región de Aysén vive un aislamiento geográfico hacia afuera y hacia adentro, y eso es determinante. Al observar estas dinámicas las fuimos internalizando, por lo tanto, se volvió imposible no hablar del territorio, para el territorio y desde el territorio en todo nuestro trabajo, marcando la pauta de nuestros contenidos.
Jessy: Claro, totalmente, eso se ve en las producciones de la compañía. Entremos un poco más de lleno a aquello. Las primeras obras que tuvieron, como la que mencionaste, Marea Roja, y también Cali, Niña de Viento a Tierra, son muy territoriales, nacen desde las problemáticas sociales y climáticas que ustedes veían. Pero luego transitan hacia otros tipos de obras como El País de las Maravillas y también Juan y Margarita. Si bien estas últimas tienen un origen clásico, ustedes les dan un giro y las convierten en obras propias del territorio y de la vida austral. ¿Cómo fue ese proceso de pasar del cuento clásico —pienso en Alicia en el País de las Maravillas o Hansel y Gretel—, estos relatos casi universales que conocemos desde la infancia, y convertirlos en obras patagónicas?
Carlos Galdames: Mira, voy a sacar mi lado más hippie, pero yo creo que, en los procesos creativos, cuando uno empieza a mezclar elementos que parecen lejanos y se empiezan a juntar, aparece una sincronía sorprendente. Nosotros trabajamos a partir de una metodología llamada Cuadros Animados, propuesta por Solange Sunza, la directora artística de la compañía. En ella, trabajamos toda la escena a partir de la composición musical entendida desde la voz, el ritmo y el sonido.
Estábamos con estas obras y Solange había grabado previamente un disco del País de las Maravillas con un compositor en Santiago años atrás. Escuchamos ese track, nos encantó y dijimos: «Hagamos la obra». Postulamos a un Fondart en ese tiempo, salió, y en 2019 empezamos el montaje.
El ejercicio de hablar del territorio es una decisión. El entorno natural acá es determinante. Estar en regiones y escribir para y desde acá es una decisión estética, política y artística que nos mueve. En el caso de El País de las Maravillas se hizo una adaptación donde apareció toda la flora y fauna local: los escenarios eran del entorno natural, como las Capillas de Mármol, la Reina de Corazones pasó a ser la Reina Ventisquero, etc. Creemos que es súper necesario adaptar estas historias universales a algo más particular para romper con lo que el inconsciente colectivo ya tiene asimilado. Y con Juan y Margarita fue otro proceso similar.
Jessy: ¿Y fue parte de la propuesta inicial esto de transformar ideas clásicas y universales en algo propio, darle un sentido local desde la semilla creativa?
Carlos Galdames: Totalmente, sí. Tenemos como dos líneas claras: una tiene que ver con el territorio y la otra con la existencia, con el existencialismo. Algo que descubrí respecto a esto es que yo venía con la concepción de que el teatro político tenía que abordar netamente los temas sociales tradicionales —que por supuesto son importantes—, pero descubrí que preguntarse por la existencia es tremendamente político y transversal. ¿Quiénes somos? ¿Quiénes queremos ser? ¿Quiénes estamos siendo? Trabajamos desde ahí, ese es nuestra ancla. En El País de las Maravillas nos dimos cuenta de que el viaje de Alicia tiene mucho que ver con la preadolescencia, con esos cambios de tamaño corporales que a esa edad uno no entiende. Siempre estamos atravesados por preguntas existenciales.
Jessy: Bueno, Bertolt Brecht decía que todo teatro es político finalmente, no necesariamente tiene que hablar de política partidaria para tener un contenido político. Es fascinante cómo el paisaje forma parte de las propuestas que realizan, como llevar estos escenarios de las Capillas de Mármol a la historia que quieren contar. Yendo ya hacia Juan y Margarita, a propósito de este diálogo con los relatos clásicos, la obra apela a un imaginario que combina lo mítico con lo patagónico a través de relatos de formación (como una Bildungsroman). En Alicia era la formación adolescente, y ahora nos vas a contar de esta versión patagónica de Hansel y Gretel que es Juan y Margarita.
Antes de eso, quisiera centrarme en un concepto que conversamos en su momento: esta decisión de «no escribir» inicialmente en papel. Mencionabas que no necesariamente los textos parten desde la palabra escrita, sino desde imágenes o cuadros.
Carlos Galdames: Con los años he descubierto que los recursos implícitos en una producción determinan mucho el proceso creativo. Con Juan y Margarita tuvimos, por primera vez, un proceso largo dividido en dos partes debido a la pandemia. En 2020, la primera etapa nos permitió crear la obra durante seis meses por Zoom y a distancia, donde levantamos la dramaturgia, el universo sonoro y el diseño integral. Por primera vez nos estábamos pensando en crear antes de llevarlo a la escena.
Los procesos creativos tienen su tiempo propio; hay que encontrar un equilibrio porque se pueden dilatar muchísimo, pero existen plazos técnicos que cumplir. No creo que exista un estándar, los procesos creativos tienen vida propia y hay que atenderlos. La segunda parte, en 2022, fue la puesta en escena, donde incorporamos el proceso actoral con tres actores. Con Solange hicimos la codramaturgia y codirección, y los actores Cecilia y Cristian también aportaron al texto. Todo se iba alimentando de la marcha. En el teatro, la construcción siempre termina siendo colectiva porque todos nutren la creación.
Jessy: Me parece súper interesante este proceso colectivo. En la primera temporada hablábamos con escritores de cuentos o novelas, que es un ejercicio mucho más solitario e íntimo, uno frente al teclado. En la escritura dramática es un proceso de colaboración y diálogo; es una creación que nace desde la comunicación con los actores, la técnica, la música y la imagen. El proceso creativo es mucho más amplio que lo meramente literario.
Carlos Galdames: De todas maneras, cada proceso tiene su particularidad. Existen dramaturgos que escriben en solitario y luego montas la obra tal cual, o recoges un texto de hace años. También existe el «dramaturgismo», donde se escribe sobre la marcha. En nuestro caso, el texto casi siempre se ve afectado y modificado por el proceso vivo del montaje.
En Juan y Margarita saqué todo mi lado más ñoño: nos pusimos a ver muchas películas, revisamos todas las versiones de Hansel y Gretel, nos fuimos a la fuente del cuento de los hermanos Grimm, vimos óperas y analizamos el núcleo familiar. Nos dimos cuenta de que la historia original es tremenda; uno piensa que es para niños, pero es un relato sumamente crudo, prácticamente de terror si se analiza en profundidad.
Jessy: Sí, así es, tiene contenidos muy fuertes. Dos padres que llevan a sus hijos y los abandonan en el bosque para que ellos mismos puedan sobrevivir es un planteamiento muy duro. El abandono y la orfandad están muy presentes. ¿Cómo lo trabajaron para darle una vuelta?
Carlos Galdames: Ahí pasó algo mágico porque el trasfondo se conectaba muchísimo con la región. Encontramos tres conceptos clave que sustentan la obra: el aislamiento (Aysén es una de las regiones con menor densidad poblacional del país), el abandono (ya que la gente acá muchas veces se siente abandonada por el Estado, existiendo un abandono simbólico dentro y fuera del hogar), y la subsistencia en un territorio indómito y extremo.
Estábamos acá escribiendo el texto con Solange y nos entrampábamos pensando cómo íbamos a escenificar de forma técnica lo que imaginábamos. Hasta que dijimos: «No escribamos para el teatro, escribamos con total libertad descriptiva y poética, y después vemos cómo lo resolvemos en el escenario». Esa decisión nos abrió los límites.
Jessy: Es lo que la investigadora Iliana Diéguez llama el «destejido» o el desmontaje: mirar tras bambalinas los procesos creativos.
Carlos Galdames: Voy a leer la didascalia que preparamos para el afuera de la casa:
Cuadro 6: El abandono en el bosque La familia se interna en el bosque caminando en fila india. Juan, intentando que no lo descubran, va tirando al suelo las piedras recolectadas la noche anterior, esperanzado en marcar el camino de regreso al igual que los personajes de su libro favorito [estableciendo un metarrelato donde los niños leen Hansel y Gretel dentro de la misma obra]. Recorren un largo trayecto en dirección al río. Árboles nativos —ñires, lengas, mañíos y coigües— configuran el paisaje como un laberinto infinito. Pájaros escurridizos los siguen: carpinteros, pitíos, tordos, bandurrias, rayaditos, chucaos, colilargas, viuditas, jilgueros, colegiales, hued-hueds, cachañas, cachuditos, fío-fíos y chercanes atraviesan la naturaleza indómita. El bosque está tapizado de distintos tipos de helechos y hojas gigantes, rodeadas de barbas de viejo, musgos, hongos y nalcas que se enredan entre los pies. Ranitas de Darwin y sapos de cuatro ojos cantan entre los árboles. El olor a tierra nutre el andar mientras el aire profundo humedece y refresca la piel seca. De pronto, la madre se detiene, observa en distintas direcciones buscando una señal. Mira fijamente una rama; un búho custodia, nadie se da cuenta. El padre, mareado, busca apoyo en un árbol. Margarita saca una botella y le ofrece agua. El padre bebe.
Jessy: Es genial. Construyeron un cronotopo —un espacio-tiempo— absolutamente patagónico en donde sumergen a sus personajes, otorgándole un gran poder creativo al texto.
Carlos Galdames: Esta detención del tiempo tiene que ver con observar la naturaleza con mayor atención; notar los estímulos del musgo, las flores amarillas en primavera, evidenciar lo observado. Lo difícil vino después: ¿Cómo hacíamos el búho, los musgos o los cien pájaros volando en escena? Trabajamos con el diseñador Cristian Mayorga y aprendimos mucho. A veces los textos piden un barco en escena para una acción de dos segundos y la producción se vuelve inaccesible. Lo bonito del teatro es que puedes graficarlo y mencionarlo con el cuerpo, y el espacio aparece mediante la corporalidad de los actores y la atmósfera sonora. Mantuvimos las didascalias intactas en el texto impreso porque, si las sacábamos, se perdía toda la riqueza descriptiva y territorial que reivindica la flora y fauna de la Patagonia.
Además, incorporamos capas narrativas complejas: hay un metarrelato donde los niños leen el cuento clásico dentro de la obra y una persona desde fuera proyecta imágenes en diapositivas. Hay varios niveles de mirada.
Jessy: También me llama la atención el nombre de la compañía, Teatro Huevo. Asumo que tiene una relación con la creación desde el inicio, como el concepto latino ab ovo, ¿o no?
Carlos Galdames: Suena muy cotidiano, pero tiene un significado existencial profundo para nosotros. El huevo alberga el misterio de la vida, es el nacimiento o la muerte, y al igual que el teatro, contiene un misterio que hay que revelar inacabadamente. En su momento relacionamos los cuatro elementos con el huevo: la cáscara es la tierra, la membrana es el aire, la clara es el agua y la yema es el fuego. De ahí viene: algo que contiene y nace.
Jessy: Es una poética muy hermosa. Han llevado sus obras a distintas localidades aisladas y rurales, como Melinka. ¿Qué feedback han tenido del público al verse reflejado en estas historias?
Carlos Galdames: Nos dimos cuenta de que Juan y Margarita calaba más en adolescentes y adultos que en niños pequeños, porque aborda temas duros y reales de la región que son preocupantes, como las altas tasas de alcoholismo, suicidio y cómo el aislamiento a veces potencia las violencias al interior del hogar. Para contrarrestar la crudeza del relato, decidimos poetizar a través del diseño, la belleza escénica, el humor y personajes existenciales resilientes.
Respecto a la recepción, en la Región de Aysén tenemos una gran limitante de infraestructura cultural; la única sala equipada con focos y técnica de gran nivel es el Centro Cultural de Coyhaique. No podíamos trasladar una megaestructura a las localidades rurales, así que lo hicimos al revés: gestionamos el traslado de las personas de las distintas localidades hacia la sala de teatro para que vivieran la experiencia completa (los focos, la acústica, la atmósfera). Hubo mucha emoción y conexión. Más allá de si una obra gusta o no, lo importante es cuando algo te sucede internamente. Tuvimos la oportunidad de llevarla también a Puerto Montt y Valdivia, y resonó de manera increíble.
Jessy: Qué buena noticia, eso es muy significativo. Ya para ir cerrando, al principio mencioné el libro que realizaron, la Antología Dramatúrgica de Cinco Obras de la Compañía de Teatro Huevo. ¿Qué significa para ustedes tener estas obras fijadas en papel, acompañadas de ilustraciones y con un diseño visual tan bello?
Carlos Galdames: El teatro es tan efímero que materializar el proceso en un objeto es muy valioso; el texto impreso es una expansión de la experiencia teatral. El libro cuenta con cinco prólogos escritos por autores regionales y bellas ilustraciones, demostrando que las historias se expanden como un rizoma. Para las artes escénicas el archivo es fundamental: las dramaturgias, los registros y los procesos recopilan meses de trabajo que de otro modo quedarían confinados al olvido.
Ahora estamos descubriendo cómo mediar estos materiales con comunidades educativas, buscando el valor formativo e invitando a la gente a que cree, crea y registre sus propios procesos. El libro estará disponible pronto en nuestra página web teatrohuevo.com y en nuestro Instagram @teatrohuevo. Además, musicalmente nos hemos expandido; lanzamos hace poco la banda sonora de Alicia en Spotify.
Jessy: Es fantástico cómo se expande este rizoma multidisciplinar donde convergen literatura, música y teatro. Ojalá las personas puedan adquirir el libro.
Carlos Galdames: Aprovecho de tirar un pequeño spoiler: estamos viendo la posibilidad de ir en agosto al Famfest en Santiago con El País de las Maravillas. Sería nuestra primera vez en Santiago como compañía, ojalá se logre.
Jessy: Ojalá se concrete. Lamentablemente el arte siempre depende de los fondos concursos, pero sería un gran paso. El tiempo apremia, Carlos, pero quiero cerrar con la pregunta insignia de este espacio. Este podcast se llama Hilos de Tinta, apelando a la idea de hilar, escribir y tejer sentidos, palabras e ideas. ¿Para quién se explora la literatura y el teatro hoy? ¿Cuál crees que ha sido el hilo conductor esencial que les ha permitido sobrevivir como proyecto desde la idea inicial hasta el reconocimiento regional actual, superando pandemias y el aislamiento geográfico?
Carlos Galdames: Voy a ensayar una frase: creo que el hilo es afectarse por lo externo para incidir en lo interno y crear sin traicionarse a sí mismo, a sí misma o a sí misme. Ello calza con nuestra búsqueda.
Jessy: Muchas gracias, Carlos, por esta entretenida conversación.
Carlos Galdames: Agradecerte a ti, Jessy. Siempre es una alegría verte y valoro enormemente estos espacios. Espero que la audiencia se haya entretenido, que sigan el podcast y los medios de difusión, que se motiven a crear y a convocar comunidad, porque el teatro se hace colectivamente. Muchas gracias.
Jessy: Gracias a ti. Y al público espectador y lector.